Fotos: Marian Sorge

Im theoretischen Teil meiner Masterarbeit habe ich untersucht, welche Auswirkungen handwerkliches Machen auf Menschen hat. Diese Auseinandersetzung ergab, dass handwerklich-gestalterische Tätigkeiten sowohl physisch als auch psychisch positiven Einfluss auf die Machenden haben und sogar gesundheitsfördernd wirken können.

Auf den Erkenntnissen aufbauend habe ich im praktischen Teil meines Masterprojektes Textilien entwickelt, die dazu anregen, sie mithilfe textiler Techniken zu verändern.
Durch den Umgang mit den Textilien soll das Bewusstsein für deren haptische Qualitäten und ihre technische Herstellung verschärft werden. Durch das Erlernen der textilen Techniken sollen handwerklich-gestalterische Prozesse geschult und so eine Weitergabe handwerklichen Wissens gewährleistet werden.

Die Textilien sind Gewebe, die am elektronisch gesteuerten Jacquard-Webstuhl umgesetzt wurden. Die Farbigkeit beschränkt sich ausschließlich auf weiß und dunkelblau und deren Mischfarben, um eine Kollektion zu schaffen, die unisex ist und noch nicht zu viel Gestaltungselemente vorgibt. Die Umsetzung der Textilien ist für eine industrielle Produktion gedacht, die Produkte zielen auf Nutzer_innen im Bereich DIY ab. Die Gewebe enthalten bereits alle Informationen, die Machende für die textile Veränderung benötigen. Mithilfe von QR-Codes gelangen sie auf eine Internetseite, auf der die Anleitungen für die textilen Techniken zu finden sind. Darüber hinaus informiert ein Video über den Herstellungsprozess von Jacquardgeweben und in einem Community-Bereich können die Schaffenden ihre Kreationen hochladen. Meine Prototypen wurden bereits einmal im Rahmen eines Workshops getestet.

Hier geht’s zur Master-Website: http://machs.lisapalm.de/

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Fotos: Martin Voigt und Jakob Wierzba

Für meinen Bachelor arbeitete ich mit meiner Kommilitonin Kei Kuroda zusammen. Gemeinsam entschieden wir uns für das freie Thema „Menstruation“. Zwar sind wir nicht die ersten, die sich mit der Thematik auseinandersetzen, trotzdem haben wir das Gefühl, dass sie unterrepräsentiert ist. Obwohl wir in einer vermeintlich aufgeklärten Gesellschaft leben, erscheint es uns nachwievor als Tabu und/oder ist oft negativ besetzt. Das Buch „Die unpässliche Frau – Sozialgeschichte der Menstruation und Hygiene“ von Sabine Hering und Gudrun Maierhof lehrte uns, dass die Monatsblutung etwa bis zum letzten Drittel des 20. Jahrhunderts überwiegend als etwas Negatives betrachtet wurde, was mit der über Jahrtausende andauernden Unterdrückung der Frau einherging. Sogar die erste Ausgabe der 1979 gegründeten französischen Zeitschrift „Courage“ zum Thema Menstruation löste noch einen Skandal aus. Und auch der Einzug der Tampons in den 1950er Jahren verschleierte mehr als aufzuklären: Das in der Werbung dargestellte Blut ist blau. Und noch heute sind Menstruationsartikel mit der Luxussteuer belegt.
Je weiter wir uns mit dem Thema befassten, umso mehr eröffnete sich uns jedoch auch eine gegenteilige Welt: je offener wir damit umgingen, desto mehr wurde mit uns offen darüber gesprochen und auch in den Medien begegneten wir mehr und mehr „Period Positivity“. Eines der ersten Werke, das wir entdeckten, war das Buch „Ebbe und Blut“, welches als Bachelorarbeit der beiden Grafik- & Illustrationsdesignerinnen Luisa Stömer und Eva Wünsch an der TH-Nürnberg entstanden ist. Beide beschreiben in ihrem Buch die Vorgänge des weiblichen Zyklus in einer sachlichen, verständlichen und vor allem positiven Sprache und wirken einer zu starken Ernsthaftigkeit mit einer Gestaltung mit Witz und Humor entgegen.
Eine weitere Heldin unserer Zeit ist für uns die Musikerin Kiran Ghandi. 2015 wollte sie am Londoner Marathon teilnehmen, für den sie ein ganzes Jahr lang trainiert hatte. Ein Tag vor dem Marathon setzte ihre Periode ein und sie überlegte, was sie am nächsten Tag tun solle: Tampons sind beim Rennen unangenehm und rutschen möglicherweise heraus, Binden sind noch störender. Kurzum entschloss sie sich, dass Blut einfach laufen zu lassen, ohne es mit einem Hilfsmittel aufzufangen. Sie praktizierte „free bleeding“ und lief damit gegen die Tabuisierung des Themas und für all jene Frauen, die nach wie vor aufgrund ihrer Menstruation benachteiligt werden.
Inspiriert von all den starken menstruationsbejahenden Frauen, entwickelten wir nun unsere Textilkollektion. Im Vordergrund stand für uns das Thema Menstruation positiv aufzuwerten und mit Humor zu begegnen. Herausgekommen sind Textilien mit drei unterschiedlichen Motiven, welche entweder mit der Technik des Webens oder der Technik des Siebdruckes umgesetzt wurden.
Das erste Design zeigt rote Wellen und wurde in verschiedenen Versionen am Jacquardwebstuhl hergestellt. Zwar scheint das Symbol der roten Wellen im ersten Moment zu naheliegend, bezieht sich aber auch auf die angesprochene „Theorie der Wellenbewegung“ aus dem zuvor erwähnten Buch „Die unpässliche Frau“. Hier beschreiben die Autorinnen eine Aussage von Theodor van de Velde aus der Niederschrift „Die vollkommene Ehe“ (Leipzig/Stuttgart 1927), die besagt, dass „sich das Leben der Frauen in Wellen [vollziehe], vergleichbar mit den Gezeiten. […] Den Übergang von der ‚Flut zur Ebbe‘ bilde der Eisprung.“ Denkt man sie positiv, symbolisieren sie Schwung, Erneuerung, Kraft.
Ähnlich dem Bild der roten Wellen verhält es sich mit der Symbolik des Mondes/der Mondphasen. Heutzutage weiß man, dass die Mondphasen nicht den Zyklus der Frauen bestimmen, trotzdem ist man erstaunt über die Parallelität. Die Menstruation und der Lauf des Mondes sind beide einem Zyklus, einer etwa monatlichen Repetition unterlegen und erzeugen gewissermaßen Gezeiten (hier auch wieder der Bezug zu den Wellen). Des Weiteren ist der Mond bekanntermaßen eine Metapher für die Frau und ihre menstruative Mystik. Das Motiv der Mondphasen wurde mit Hilfe eines Linolschnittes erstellt und diente als Grundlage für siebgedruckte und jacquardgewebte Textilien. Bezüglich der Technik des Siebdruckes arbeiteten wir mit dem Ätzdruck, dem Foliendruck und dem Pigmentdruck – wobei wir bei letzterem spezielle Pigmente der Firma Merck zur Verfügung gestellt bekamen. Durch deren leichten Glanz konnte die mystische Anmutung des Mondes sehr gut umgesetzt werden.
Ein weiteres Motiv bildet Uteri ab. Das Design wurde aus Scherenschnitten heraus entwickelt undvauch jacquardtechnisch hergestellt. Erscheint das Motiv auf den ersten Blick ebenfalls plakativ, wirken wir diesem Umstand mit Witz entgegen: die Uterui sind farblich rot gefüllt, wobei einige im Inneren mit roten Flottungen versehen sind. Diese wurden dann vereinzelt aufgeschnitten, so dass siejetzt aus dem Uterus heraushängen und die Menstruationsblutung symbolisieren.
Zuletzt fertigten wir Siebducke mit unserer zuvor erwähnten Heldin Kiran Ghandi. Wir zeigen sie beim Jubeln nach Erreichen der Zielgeraden mit blutdurchtränkter Hose. Die Drucke fungieren als Patches zum Aufnähen, damit jede_r sie als Heldin feiern kann.
Aus den hergestellten Meterwaren fertigten wir anschließend Kleidung, um die Textilien in einer ihrer möglichen Anwendungen zeigen. Dabei beschränkten wir uns auf eine sehr einfache Schnittkonstruktion, um den Fokus auf dem Textildesign zu belassen. Die Kollektion ist unisex und auch als Mode während der Menstruation geeignet, da sie nicht einengt. Nach japanischem Vorbild formt der Körper die Kleidung und nicht umgekehrt. Außerdem funktioniert Bekleidung als Statement: der_die Träger_in eines Oberteils mit Uterus-Motiven öfnet so einen Diskurs und/oder zeigt, dass es etwas ganz Selbstverständliches ist. Das Thema fndet Eingang in den Alltag.
Zusätzlich fertigten wir noch Taschen und Schals, um die Kollektion abzurunden. Die Taschen sind auch mit sehr einfachen Schnitten hergestellt und die Schals wurden am Dreherwebstuhl handgewebt. Dabei wurden die Kettfäden des Webstuhls so eingezogen, dass im Schuss unterschiedlich große Flottungen entstanden, gleich dem Verlauf des weiblichen Zyklus. Ein Schal schimmert je nach Reflexion in unterschiedlichen Rottönen als Metapher für die Menstruation, der andere Schal zeigt die Emotionen, die eine von uns während eines Monats durchlief. Jedes Garn steht dabei für einen anderen Gemütszustand und untersucht den Einfluss der Hormone über einen Zeitraum von einem Monat.

The collection on display is the bachelor thesis of me and my fellow student Kei Kuroda. We decided to work together, because of our shared interest in feminist topics – in this case “menstruation”. Although we believe to live in an enlightened society, we feel that it is still underrepresented and taboo. From the book “Die unpässliche Frau – Sozialgeschichte der Menstruation und Hygiene” by Sabine Hering and Gudrun Maierhof we learned that the period had been seen as something negative since Ancient Greece and that it was highly connected to womens suppression. We also got to know that the first issue of the french magazine “Courage” on the subject of menstruation still caused a huge scandal – in 1979! And the introduction of tampons to the market in the 50s was no help for period enlightenment either: the blood shown in advertisements was (and still is!) blue. Even today menstrual “hygiene” products are treated as luxury.
But we also came across of recent “period positivity” in our research, like the book “Ebbe und Blut” by Luisa Stömer and Eva Wünsch. A result of a bachelor thesis of their graphics and illustration studies, the book describes the process of menstruation in a factual, understandable and most importantly positive language and pairs the descriptions with humorous designs.
Kiran Ghandi is another hero of ours. She is a musician and athlete. In 2015 she wanted to take part in the London Marathon to mark one year worth of training. One day before the marathon she got her period and felt helpless. She knew that tampons and sanitary napkins are quite uncomfortable when running long distances. Bluntly she decided to just run without anything to absorb her blood. She just “let it bleed” and ran for all women who are still disadvantaged because of their monthly bleeding: “A marathon in itself is a centuries old symbolic act. Why not use it as a means to draw light to my sisters who don’t have access to tampons and, despite cramping and pain, hide it away like it doesn’t exist?”
Inspired by all these period positive women, we developed our textile collection, to bring positivity (and humour) to the discussion about menstruation . We came up with three motives, which we then realised on a Jacquard loom or as screen prints.
The symbol of red waves might seem obvious at first glance, but it also relates to the “theory of wave movement” mentioned in the book “Die unpässliche Frau”. There, the authors quote doctors from around 1930, which state that a woman’s life runs in waves comparable to tides, and that the transition from low tide to high tide resembles ovulation. Although these statements were certainly not “period positive”, we still liked the picture of red waves. Taken positively, they resemble energy, renewal and strength by being rhythmic and smooth at the same time.
The “lunar phases” design works in a similar fashion: nowadays it is known that the moon has no impact on the period, still the parallelism is astonishing. Both the period and the phases of the moon are cyclical – a monthly repetition – and both produce a certain (wave-like) tide. The moon is also known to be a metaphor for the woman and her “myth of menstruaton”. The lunar phases design was created by linocut and served as base for screen printed and Jacquard woven textiles. As to screen printing technique we worked with discharge, foil and pigments. The company Merck provided us with certain effect pigments, their iridescent gloss helps to convey the moon’s mystic impression.
Another jacquard design depicts uteruses. We counteract its conspicuousness with wit: the uteri are red on the inside and some of them are float stitched. We cut some of the floatin threads – now they hang out of the uterus and symbolize the period.
In addition we made screen prints with our heroine Kiran Ghandi. We show her cheering after successfully crossing the finish line with trousers soaked in blood. The prints function as patches for everyone to sew on and celebrate her as hero!
Finally we created clothes from our readymade textiles to show them in one of many possible uses. We constrained ourselves to a very basic pattern to focus on the textile design. To value the textile itself we also decided to keep the selvedges, or even to emphasize them. The collection is unisex and not confining – it can be worn while on one’s period. According to japanese tradition the body gives shape to the garment and not the other way around. Fashion works as statement: the wearer of a top with uterus motives starts a discussion while also normalizing the subject by establishing it as part of everyday life.
To top off our collection we made bags and scarfs. The bags are made, again, with very easy patterns and the scarfs were handwoven on the leno loom. Here, we modified the warps to create floats of different lengths – to resemble the course of the female cycle. One scarf shimmers in different shades of red as a metaphor for the period, the other one logs the emotions that one of us faced during the different phases of her menstruation. Each yarn represents another mood and codifies the influence of hormones over the timespan of one month.



Fotos: Jakob Wierzba

Die Kollektion ist während eines Auslandssemesters in Łódź zum Thema „100 Jahre Avantgarde in Polen“ entstanden. Dabei rücke ich mit feministischer Perspektive die unterschätzte Arbeit von Textilarbeiterinnen in den Fokus. Ich zolle ihrem Wissen und ihrer Hingabe Tribut, indem ich die Kraft und Schönheit textiler Werke zeige. So entschied ich mich beim Erstellen des Hauptstückes der Kollektion für die Technik des Teppichwebens, einer der ältesten textilen Techniken. Drei weitere Textilien sind digital gedruckt, scheinen aber durch entsprechende Optik gewebt. So versuche ich, eine alte Technik in eine Neue zu transferieren.
Hinsichtlich des Designs wurde ich von kaschubischen Blumen inspiriert, welche in einer Region im Norden Polens meist handgestickt werden. Mein Anliegen ist es, Aufmerksamkeit für textile Arbeiten zu erzeugen, ihre Relevanz und Stärke herauszuheben und so auf mehr Respekt für textile Handwerkerinnen zu hoffen.

My work focuses on the underestimated craft of women in the textile industry.
From a feminist perspective I honour embroideries of kashubian flowers, which are motives from the Kashuby region in the north of Poland. The emroideries symbolise the dedication female textile workers put into their creations, without getting an appropriate salary. Textile technologies like embroidering, knitting and crocheting are not taken seriously, because they are seen as something that housewives do.
As a tribute to the beauty of textile handicraft done by women and to value their knowledge, I decided to weave the main piece of my collection as tapestry, one of the oldest textile techniques. I chose the image of the vulva to provoke and thereby bring attention to my concern. I want to demonstrate female power and declare, that female work should be more appreciated!
Although feminist artists have been fighting for justice since the last century (cf. “The Dinner Party” from Judy Chicago), still too many walls have to be torn down. Let’s breach borders and start at equal respect and pay for women and men!



Fotos: Sebastian Lange, Paul Kirchmeyr, Jakob Wierzba

Ich besuchte das Bauhaus-Archiv in Berlin, wo ich u. a. in den Niederschriften der Weberin Gunta Stölzl lesen durfte. In Ihren Aufzeichnungen habe ich mich oft selbst wiedergefunden und verstanden gefühlt. Stölzl trieben ihrerzeit die gleichen Gedanken, Sorgen, Ängste um, die auch mich heute beschäftigen. Schnell entschied ich mit Zitaten von ihr zu arbeiten, diese jedoch zu verschlüsseln, um Plakativität zu vermeiden. Erst durch die Überlagerung eines zweiten Textils mit transparenten Bereichen werden sie sichtbar:

„weben ist aufbauen, konstruieren von geordneten gebilden aus ungeordneten fäden; durch die verkreuzung wird der weich sich verlierende faden zur fläche.“

„oh, ich möchte mich verschenken, aber ich weiß, dass ich warten muss und mich neigen, ganz in mich selbst.“

Gestalterisch ließ ich mich außerdem von einem Gewebe von Gunta Stölzl sowie von einer Farbübung Paul Klees inspirieren.
Die Kollektion ist so aufgebaut, dass sie den Anforderungen eines modernen Nutzers entspricht: Durch Transparenz sind die Vorhänge flexibel kombinierbar und bieten ein individuelles Spektrum an Gestaltungsmöglichkeiten. Bei allen Textilien handelt es sich um Gewebe.

To research the women of the Bauhaus I visited the Bauhaus archive in Berlin, where I read transcripts of the weaver Gunta Stölzl. I related to her notes strongly and felt understood. She faced the same worries, fears and thoughts then, that also concern me today. Immediately I decided to work with her quotations, but in a obfuscated, less obvious way. The following quotations are only revealed when a second, partially transparent textile is superimposed :

“weaving is to set up, to construct ordered formations from disordered threads; by crossing itself, the soft loose thread becomes the surface.”

“oh, i want to give myself away, but i know i have to wait and lean myself completely into myself.”

The design is inspired by one of Gunta Stölzl’s fabrics and a color study by Paul Klee.The collection is designed to meet the requirements of a modern user: their transparency allows for flexible combination and thus an individual spectrum of design possibilities. All textiles are woven fabrics.

https://www.bauhaus100.de/de/damals/koepfe/meister/gunta-stoelzl/

https://www.pinterest.jp/pin/377739487480844305/

Fotos: Jakob Wierzba

Da mich der interdisziplinäre Austausch reizt, entschied ich mich im 6. Semester ein Gastsemester in der Mode zu absolvieren. Innerhalb des Themas „stop:motion, rastlos” sollte sich mit Bekleidung zum Reisen, mit Reisegepäck und/oder mit Kleidung, die durch Bewegung lebt, auseinandergesetzt werden. Als Quereinsteigerin wollte ich erst einmal weg vom eigentlichen Bild der Kleidung und neue Formen finden, den Körper zu umspielen. So entstanden vorerst steife geometrische Formen, die über den Körper gestülpt wurden. Dazu im Kontrast standen auf Textil gebrachte Fotos mit Bewegungsunschärfe, quasi eingefrorene rastlose Zeit. Als Motive wählte ich Straßenbahnen aus Halle als Symbol für das Reisen. Diese Vorlagen brachte ich mithilfe der Technik der Cyanotypie auf das Material, was eine entschleunigte Arbeit mit willkürlichen Ergebnissen bedeutete – erneut ein Gegenpol der Rastlosigkeit. Im weiteren Verlauf ließ ich die steifen geometrischen Objekte durch die Ausarbeitung in Textil in sich zusammensacken, wodurch wieder neue Gebilde mit körperumhüllender Funktion entstanden, nun an der Schnittstelle zwischen Kleidung und Objekt. Im Rahmen eines semesterbegleitenden Taschenworkshops mit dem Lederatelier Apolda fertigte ich zudem eine Tasche, welche einen Quader in Bewegung darstellt, was eine optische Täuschung erzeugt. Auch hier ein spielerischer Umgang mit der Form. Für die Umsetzung der Tasche entschied ich mich für eine Materialkombination aus Korkleder und „Composite Flax“ (Flachsvlies). Das Flachsvlies wurde mir zum experimentieren von der Firma Norafin zu Verfügung gestellt und fand Anwendung als Verstärkung des sonst eher weichen Korkleders.

Fashion design’s sixth semester project was titled “stop:motion, RASTLOS” (restless). I am interested interdisciplinary exchange so I decided to take a break from textile design and do a guest semester in fashion. As an “interloper” I steered away from the traditional idea of clothing, towards new shapes to play with the body. A starting premise were rigid objects to cover the whole body – their stiff, geometrical shape contrasting with photos I printed on their textile (sur)faces: blurred motion, frozen, restless time. Halle’s trams served me as photographic subjects and a symbol for travel. I adopted the photographic printing process of cyanotype, its slow pace and often unpredicatble results an antipode of restlessness. Gradually, as I fleshed out the geometrical objects in textile, I let them “slump”, which yielded new shapes to envelop bodies, now, in turn, at the intersection of clothing and object. During an accompanying workshop on bags in cooperation with the Lederatelier Apolda I made a bag that depicts a cuboid in movement, which turns it into an optical illusion – and another playful approach to form. For the material of the bag I settled on a composition of cork leather and flax composite. The latter was provided by the company Norafin and served well as a reinforcement for the rather supple cork leather.

Fotos: Jakob Wierzba

Im Rahmen des Semesterprojektes im 5. Semester sollte sich jede Studentin ein literarisches Werk „vor 1915“ suchen, wobei ich mich für „Die Verwandlung“ von Franz Kafka entschied. Die Wahl der textilen Technik für die Umsetzung der Aufgabe stand uns offen. Einzige Vorgabe war, dass eine anwendungsbezogene Kollektion entstehen sollte, für die auch eine Farbkarte erstellt werden sollte. Ich entschied mich für die Technik des Webens und dachte hinsichtlich der Verwendung an Vorhangstoffe. Erstmals stand uns diesmal auch das Weben an einer elektronisch gesteuerten Jacquard-Maschine zur Verfügung, welche gegenüber anderen Webstühlen in der Lage ist Motive zu weben, weil jeder Faden einzeln bedient werden kann. Es reizte mich die Vorteile dieser Maschine auszuloten und nahm mir vor, die Thematik diesmal eher illustrativ als abstrakt anzugehen. Für die Motiverstellung suchte ich mir Hilfe im Studiengang Kommunikationsdesign, wodurch eine Zusammenarbeit mit Luis Janßen entstand. Da es sich bei den Geweben um Doppelgewebe handelt, eignen sie sich gut für den Einsatz als Vorhang, da sie so sowohl im Innenraum als auch von außen durch ein Fenster zu betrachten sind. Bezüglich meiner Farbwahl entschied ich mich einerseits für dunkle Farben als Symbol für den Käfer (schwarz, braun, violett, dunkelblau, dunkelgrün) und andererseits für helle Farben als Symbol für den Menschen (weiß, beige, ocker) sowie knallige bunte Farben, die die Gefühle Gregor Samsas als menschliches Wesen widerspiegeln (gelb, rot, türkis). Die Wirkung der dunklen Farben habe ich zusätzlich versucht an einem 8-schäftigem Handwebstuhl einzufangen, wobei mir die Strukturen und der Glanz von Käferrücken als Inspiration dienten.

For the 5th semester project “literary works before 1915” I picked “Metamorphosis” by Franz Kafka. While the choice of textile technique was unrestricted, the finished collection was required to be use-oriented and based on a color chart. I chose to weave draperies. For the first time, an electronic Jacquard loom was available. As each thread can be operated individually, it is able to weave designs. To explore this advantage, I decided to tackle the subject in a way that’s more illustrative than abstract. To create the design I collaborated with fellow student Luis Janßen from the department of communication design. Since the produced textiles are double fabrics they are suited to be curtains – the motif can be seen both inside and outside of a room. I chose dark colours to symbolize the beetle (black, brown, purple, dark blue, dark green), light colours (white, beige, ochre) to symbolize the human, as well as gaudy colours to reflect Gregor Samsa’s emotions as a sensitive human being (yellow, red, turqoise). To enrich the dark colours with the iridescent effect of a beetle’s back I used a handloom with 8 heddle shafts.

Innerhalb des Semesterprojektes „Drucken nach Zahlen“ habe ich mich für das Thema „Digitale Zahlen“ entschieden, genauer für Sieben-Segment-Digitalzahlen. Für die Umsetzung im Siebdruck erstellte ich 3 Siebe – eines mit einem Raster aus Quadraten, eines mit horizontalen Segmenten der Zahlen und ein drittes mit deren vertikalen Segmenten. Je nachdem wie ich die Segmente nebeneinander/übereinander/ untereinander in das Raster druckte, entstanden Zahlen oder Buchstaben oder andere geometrische Formen. Das Farbspektrum Rot-Orange-Gelb verweist auf meine Assoziation zu rotleuchtenden LED-Anzeigen digitaler Zahlen. Zusätzlich nutzte ich die Techniken Sticken und Lasern für meine Arbeit, welche auch mit der Technik des Siebdruckes kombiniert wurden. Zudem ergab sich im Rahmen der Semesteraufgabe eine Zusammenarbeit mit dem Unternehmen Tywear-Textile Solutions UG. Von diesem wurden mir die Materialien Tyvek® und Lefa für Experimente zur Verfügung gestellt, welche sonst in den Kollektionen ihres Modelabels LUXAA® Verwendung finden.

For the 4th semester project “Printing by Numbers” I picked the subject “Digital Numbers”, specifically so called seven-segment displays. For a realisation in screen print I created three latticed screens: squares, horizontal and vertical segments. The way I printed the segments next to/above/under each other determined the formation of numbers, letters or other geometrical shapes. The red-orange-yellow colour spectrum refers to my assocation with the bright-red LED displays. In addition, I combined embroidery and laser techniques with screen printing. I was able to cooperate with the company “Tywear-Textile Solutions UG”, who kindly provided me with the Tyvek® and Lefa for my experiments – materials that are usually used for the collections of their fashion label LUXAA®.

Für das Semesterthema „Ins Blaue“ befasste ich mich mit der Blauen Grotte auf Capri: in kleinen Schiffen fährt man durch eine kleine Öffnung in das allgegenwärtige Blau der Grotte.
Die Grotte wurde bereits in der griechischen Antike als „Nymphäum“ genutzt – ein Heiligtum der Nymphen, meist ein Quell- und Brunnenhaus. Danach geriet sie in Vergessenheit und es begannen sich Mythen um sie zu ranken, beispielsweise, dass der Teufel darin wohne und jeder, der sich ihr nähere, umkomme. Der Schriftsteller und Maler August Kopisch maß den Mythen jedoch keine Bedeutung zu und wagte sich, während seines Besuches der Insel Capri 1826, in die Höhle. Seine Gefährten (sein Freund, der Maler Ernst )Fries, und ein Notar) trauten sich nicht gleich und so rief er ihnen zu: „Kommt, fürchtet Euch nicht: es sind weder Haifische noch Teufel hier zu sehn, allein eine Farbenpracht, die ihres Gleichen sucht!“ Diese Wiederentdeckung löste einen bis heute ungebrochenen Touristenstrom auf die Insel aus, dem auch der Maler Heinrich Jakob Fried folgte. Sein Gemälde „Die Blaue Grotte von Capri“ aus dem Jahr 1835 diente mir als Hauptinspirationsquelle.
Um mich an das Thema anzunähern, fertigte ich Gewebe und Gestricke nach 4 unterschiedlichen Schwerpunkten: die reine Nachahmung der Plastizität der Grotte im Textil (Doppelgewebe, Faltengewebe), die Umformung deren plastischer Beschaffenheit in einen Rapport mithilfe von Bindungen (Lancé, Diamantbindung, Panama usw.), das reine Abbilden der Grottenform in der Fläche (Jacquard) und letztlich die Darstellung der Reflexion des Lichtes vom Eingang der Grotte bis in ihr Innerstes durch Farbverläufe von Hell nach Dunkel mithilfe der schattierten Atlasbindung und/oder der Verwendung unterschiedlich farbiger Garne.Um mich an das Thema anzunähern, fertigte ich Gewebe und Gestricke nach 4 unterschiedlichen Schwerpunkten: die reine Nachahmung der Plastizität der Grotte im Textil (Doppelgewebe, Faltengewebe), die Umformung deren plastischer Beschaffenheit in einen Rapport mithilfe von Bindungen (Lancé, Diamantbindung, Panama usw.), das reine Abbilden der Grottenform in der Fläche (Jacquard) und letztlich die Darstellung der Reflexion des Lichtes vom Eingang der Grotte bis in ihr Innerstes durch Farbverläufe von Hell nach Dunkel mithilfe der schattierten Atlasbindung und/oder der Verwendung unterschiedlich farbiger Garne.

Fascinated with visitors’ tales of floating into an all-encompassing blueness through a small opening and keeping with this semester’s theme “Into the Blue”, I picked “The Blue Grotto in Capri” as the subject for my project (3rd semester, studies in textile design).
In ancient Greece the grotto had already been used as a “nymphaeum” – a sanctuary for nymphs, usually a spring or well house. Later it fell into oblivion and into the realm of myths: that the devil might dwell there or that anyone who entered might perish. Spitefully, the writer and painter August Kopisch ventured to enter the cave during his visit to the island of Capri in 1826. His companions – a solicitor and a fellow painter – did not, so he called them out: “Come, fear not: there are neither sharks nor devils, but a blaze of color, hitherto unparalleled!” This re-discovery set off an ongoing stream of tourists. Painter Jakob Fried was one of them. His 1835 painting “The Blue Grotto Capri” served as the main inspiration for my work.
I made the subject with woven and knitted fabrics to approach the subject in four different ways: 1: pure imitiation of the grotto’s plasticity in textile (double fabric, folded fabric), 2: reshaping its plastic texture in a rapported pattern with the help of weave (lancé, diamond weave, matt weave, and others), 3: a simple mapping of the cave’s shape to the surface (Jacquard) and finally, 4: representation of the light reflected from the grotto’s entrance to its center, through colour gradients ranging from light to dark, that use shaded satin weave and/or yarns of different colours.

Bildnachweis: Von Heinrich Jakob Fried (1802-1870) – repro from art book, Gemeinfrei, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=8980762

Um mich für ein Studium im Studiengang Textildesign zu qualifizieren, absolvierte ich ein halbjähriges Praktikum in einer Druckerei, deren Produktion zum überwiegenden Teil im Bereich des Textildruckes liegt. Hinsichtlich des Textildruckes reicht die Produktpalette der Druckerei Deltadruck in Leipzig (www.deltadruck.de) vom Siebdruck über den Foliendruck (Flex- und Flockdruck) bis hin zum Digitaldruck. Außerdem wird auch die Technik des Stickens angeboten, die jedoch extern gefertigt wird. Innerhalb meines Praktikums bekam ich Einblicke in alle genannten Bereiche und durfte sogar zwei Produkte für den Eigenbedarf erstellen. Ich lernte die Designs in der Druckvorstufe mithilfe der erforderlichen Grafikprogramme (Coral Draw und Illustrator) vorzubereiten und sie dann mit der entsprechenden Technik auf ein Trägermaterial zu übertragen. Zum einen entwarf ich dabei ein farbenfrohes Wesen für den Siebdruck, welche auf Beutel gedruckt wurden. Zum anderen kreierte ich ein Motiv, indem ich Tinte mit dem Strohhalm in verschiedene Richtungen blies und das so entstandene pflanzenartige Gebilde anschließend digital bearbeitete. Das fertige Design presste ich im Flockdruckverfahren auf ein T-Shirt.

Fotos: Jakob Wierzba

Die Gesellenprüfung bestand aus der Fertigung eines Blazers und ein Kleides oder eines Oberteiles und ein Rockes. In einem der Teile sollte eine Schmucktechnik eingearbeit werden und auch der Blazer sollte eine Herausforderung aufweisen. Hinsichtlich der Schmucktechnik entschied ich mich für ein Schneckeneinsatz im Dekolleté-Bereich. Die Schnecken sind handgearbeitet und bestehen aus Schläuchen aus Futterstoff. Die Schwierigkeit des Blazers bestand in den schräg
eingesetzten Leistentaschen. Schnitttechnische Besonderheiten des Blazers sind der große runde Kragen und eine abgeschrägte Knopfleiste. Das Kleid zeichnet sich durch schräge Seitennähte und eine Kängurutasche aus. Der verwendete Futterstoff des Schneckeneinsatzes findet sich als Innenfutter des Blazers wieder. Ein besonderes Augenmerk legte ich auf die Textilien. Der Blazer reizt durch verspielte florale Motive, welche auf ein sandfarbenes Feincord gedruckt wurden. Diese Verspieltheit des Floralen bestimmt auch den in Blautönen gehaltenen Oberstoff des Kleides, wobei hellgelbe Ranken Bezug zum hellgelben Saum sowie zum goldgelben Schneckeneinsatz nehmen.